Billie Holiday (LADY DAY)

Nova York, manhã de 17 de julho de 1959.  A cantora Billie Holiday morre aos 44 anos num hospital do Harlem com o organismo debilitado pelo uso descontrolado de álcool e drogas. Silencia a voz de uma grande cantora de jazz.  A história dolorosa de Billie é bem conhecida – quando ela nasceu seu pai tinha 17 e a mãe apenas 13 anos.  O pai era guitarrista, banjoísta e egoísta. Largou as duas. Saiu da cidade. Na infância sem inocência Billie foi violentada por um vizinho. Mudou-se com a mãe para New York. Passou fome, se prostituiu ainda adolescente, teve casamentos e relacionamentos tumultuados, adquiriu o vício da heroína e a fama eterna. Foi o saxofonista norte-americano Lester Young que lhe deu o apelido de Lady Day. Os dois gravaram juntos cerca de cinqüenta canções repletas de swing, cumplicidade e talento invulgar.

quadro mostrando Lady Day com orquestra

Se fosse pela biografia, Lady Day seria Lady Night – até porque passou boa parte da existência apresentando-se em casas noturnas.  A primeira negra a se tornar cantora em bandas de branco no auge da segregação racial nos Estados Unidos.  Costumava terminar os shows cantando Strange Fruit, uma canção de protesto contra o racismo. A música compara  "as estranhas frutas" com os cadáveres dos negros linchados e dependurados pelos pescoços nas árvores do Sul do país.   Em 1999 – quarenta anos depois da morte de Billie – a revista Time elegeu Strange Fruit como a canção do século.

Há uma versão em português de Carlos Rennó

"Árvores do Sul dão uma fruta estranha

Folha ou raiz em sangue se banha 

Corpo negro balançando, lento

Fruta pendendo de um galho ao vento", dizem os primeiros versos.
A sequência é de arrepiar:
"Cena pastoril do Sul celebrado
A boca torta e o olho inchado

Cheiro de magnólia chega e passa

De repente o odor de carne em brasa

Eis uma fruta para que o vento sugue

Pra que um corvo puxe, pra que a chuva enrugue

Pra que o sol resseque, pra que o chão degluta

Eis uma estranha e amarga fruta".

"Lady Sings the Blues" 

Dona de voz única, Eleanora Fagan (seu nome de batismo) se fez conhecida  pela interpretação emocional doce e sensual de suas músicas, repletas de elementos trágicos, melancólicos, transbordantes de dor e tristeza. Reflexo da experiência pessoal de uma mulher negra, marginalizada pela sociedade de seu tempo. 
A artista influenciou os rumos do jazz -- virou mito. Fazia da voz um requintado instrumento e não cantava uma música duas vezes da mesma forma.   De 1933 a 1944, Lady Day viveu seu apogeu – depois o descontrole do vício começou a afetar o frescor e a jovialidade de sua voz. Mesmo vivendo a decadência, bastava Lady Day interpretar os primeiros versos de um blues, para o fiapo de voz assumir proporções gigantescas.
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ouça  strange fruit    

Lygia Clark: a revolução dos bichos

O escritor Ezra Pound diz em "ABC da literatura" que os poetas são as "antenas da raça", seres que sentem o rumo da mudança com antecedência visionária.  Acho possível incluir os artistas plásticos sob esse guarda-chuva. Eles também são "framebrakers" ("rompedores de molduras") -- revolucionários que expandem limites, quebram padrões, trazem ideias novas.  A mineira da foto ao lado, Lygia Clark,  fez isso ao pé da letra -- ela deslocou a pintura para fora do espaço apertado das telas. Pesquisou a "linha orgânica" que existe na junção de dois planos, como entre a tela e a moldura. Saltou a moldura, criando formas que literalmente escapavam das telas, como sua mais famosa série: Bichos.  Os bichos, são placas de metal articuladas com dobradiças que podem ser manipuladas livremente, criando um bicho diferente, a cada vez. A artista demanda  a participação do espectador, exige uma interação com o trabalho dela.

Quando passei por último em São Paulo, fiz exame clínico no Hospital Santa Catarina, início da Av. Paulista.  Bem defronte ao Itaú Cultural -- havia uma restropectiva aberta de Lygia Clark, uma mostra que caminha em paralelo com a trigésima  Bienal de São Paulo. Me arrastei até lá.

No piso térreo está o "espaço imantado" com duas obras sensoriais abertas à experimentação do público. Uma consistia em calçar pesados sapatos de ferro -- com ímãs na sola metálica -- e caminhar por uma forma geómetrica no chão, onde havia imãs ocultos sob a superfície, e se a pessoa não pisasse com cuidado, bem devagarinho... podia cair.
Alguns caíram.. rsss
Impagável (ninguém se machucou)
A outra experiência sensorial de ímas é feita com um cinto que as pessoas amarram na cintura. Alguns cintos tinham polo negativo, outros, o positivo. Quando duas pessoas com polos opostos ficavam próximas, os ímãs "puxavam" forte e eles davam umbigadas recíprocas.  Espetáculo não-programado... hilário... ri o tempo todo, só de ver o susto, o puxão, a umbigada.
No andar de baixo, duas salas exibem documentários da vida e da obra de Lygia Clark, falecida em 1988.  Que divertido, usar as máscaras e os capuzes que a gente  podia manusear à vontade.

alô? ..que tipo de visual é esse, hem
me senti na única posição confortável que existe num cadafalso

Esse arcoíris de macacões estavam arrumadinhos contra a parede. A parte lúdica consiste em escolher  a cor, vestir por cima da própria roupa.. . a textura é igual. Esse grupo levou um tempão discutindo quem ia ficar com qual cor... Os monitores do Itaú colaboram com o clima "absurdo": costuram a perna de um, com o braço do outro, vão "amarrando" a platéia e a obra
Lygia, que loucura.
(adorei as visões e o tateado, linda)
o que não deu pra entender, deu pra sentir
beijos, de sua
admiradora

Olympia, de Edouard Manet

 Texto do cineasta Cacá Diegues, publicada no jornal "O Globo", em 2010 

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 "Em 1865, o quadro "Olympia", do pintor Edouard Manet, pai do impressionismo, foi recusado pelo Salão de Belas Artes de Paris. Exposto então no Salão dos Recusados, "Olympia" provocou escândalo sem precedentes. O quadro retratava uma mulher nua deitada na cama, enquanto uma criada negra lhe traz flores e um gato preto, aos pés da moça, nos encara do canto direito da tela. Além de mal pintado, um borrão de cores, atentado à boa pintura de uma época neoclássica, paródica e acadêmica, "Olympia" foi acusado também de indecente e pornográfico. Jornalistas e escritores zombavam de Manet, professores e estudantes de Belas Artes indignavam-se com ele, mães de família em passeatas cobriam o quadro para que não fosse visto. Paris inteira linchava "Olympia".
Somente o escritor e jornalista Émile Zola ousou defender publicamente o pintor e sua obra. Num artigo em que anunciava o nascimento de uma nova arte e de uma nova moral na produção artística francesa, Zola só lamentava a presença do gato preto no canto da tela que, segundo ele, servia apenas como ornamento desnecessário, elemento de distração no rigor poético da composição. Diante do clamor geral, o diretor de seu jornal exigiu que Zola se retratasse e, como o escritor se recusasse a fazê-lo, foi despedido e viu as portas de todos os jornais franceses se fecharem para ele. Manet, como agradecimento por seu gesto, pintou-lhe então um retrato que se encontra exposto no Museu d"Orsay, ao lado do "Olympia".

 Nesse quadro, Zola está a escrever, cercado de livros e, na parede do cômodo, o pintor reproduziu o "Olympia", sem o gato preto no canto da tela."

Homem Caminhando - Alberto Giacometti

De passagem por São Paulo, fui até a Pinacoteca apreciar a visão das obras do artista suíço Alberto Giacometti. A Mostra é um fruto da paciência. Foi preciso um trabalho de  contatos internacionais -- que durou três anos -- com a “Fundação Alberto e Annette Giacometti”, de Paris. Significante, traça as etapas da trajetória deste inclassificável artista cuja produção acompanha os grandes movimentos da modernidade: cubismo, surrealismo, abstração e retorno à figuração.
Um exigente caminho independente.

Lá estava, por exemplo, uma das mais queridas estátuas de Giacometti, a monumental escultura do Homem Caminhando, concebida para o projeto do Chase Manhattan Plaza de New York (a foto é da internet, não houve permissão para fotos na mostra paulistana).  A primeira escultura desta série – um bronze de 1,83m -- tornou-se uma das obras de arte mais caras já vendida num leilão da Sotheby’s. O lance inicial era 12 milhões de libras esterlinas. Oito minutos depois  foi arrematado por 65 milhões, por um tycoon anônimo que apostava pelo telefone. Jamais saberemos o que Giacometti teria feito com esta fortuna; a ironia consiste em saber que ele passou a maior parte de sua vida num estúdio diminuto em Paris.

Giacometti em seu estúdio (fotografado por Robert Doisneau)

Antes de "L'Homme qui marche" o recorde financeiro de obra de arte pertencia a uma tela de Picasso -- Menino com cachimbo -- inspirado na figura de um adolescente da vizinhança. Retrata um jovem pálido em meio a flores que formam uma coroa sobre sua cabeça e sugerem asas de anjo às suas costas. Na mão ele segura um cachimbo – referência ao ópio consumido no enfumaçado ateliê daquela fase boêmia (e rosa) do pintor catalão,  afirma a crítica.

Voltando para o Giacometti:  Mulher Colher é uma de suas obras que mostra a influência da arte primitiva em seu trabalho. A metáfora africana servia para representar o útero feminino em colheres utilizadas nos rituais de fertilidade. A escultura de Giacometti  reverte esta equivalência. Os críticos de arte dizem que ao tomar a metáfora e invertê-la ("a colher é como uma mulher" torna-se "uma mulher é como uma colher") o artista conseguiu intensificar a idéia e torná-la universal, elevando as formas das esculturas africanas para um prisma abstrato.

Este homem alto que caminha a passos largos e decididos me fez lembrar um amigo poeta, um homem antigo que no momento é um jovem professor da UnB, Piero Eyben -- na foto com a mulher, Fabrícia Wallace. Foi ele que me deu  a dica do livro - "O Ateliê de Giacometti", de Jean Genet.            (foto de Giacometti por Cartier-Bresson)

Lembro-o sempre do livro do Genet sobre esse que é um dos mais instigantes mestres do estatismo escultural:
“Mas também despertam em mim um curioso sentimento: são-me familiares, cruzam-se comigo na rua. Ora elas vêm do fim dos tempos, do princípio de tudo, e não cessam de vir ou recuar com soberana imobilidade. Se os meus olhos tentam aprisioná-las, aproximar-se, elas - sem fúria nem cólera nem ira, apenas pela distância entre nós, que eu ainda não notara, de tal modo reduzida e escassa, a ponto de as julgar ali mesmo - afastam-se a perder de vista: desdobra-se subitamente a distância. Para onde vão? Embora a sua imagem continue visível, onde estão elas?”
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Na saída não consegui resistir à tentação -- transgredi o código da Pinacoteca... cliquei rapidinho o professor conversando sobre Giacometti com os alunos ...

Lygia Pape: Espaço Imantado

"O ovo"  (performance)

Sempre ouço falar que na história da arte brasileira contemporânea três nomes não podem faltar: Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape. Fui visitar o Espaço Imantado, a primeira retrospectiva de Pape no Brasil, bem contente pela oportunidade de conhecer a obra desta mulher que é considerada uma das mais importantes artistas brasileiras. Percorri as três salas da mostra na Estação Pinacoteca, observando de perto cerca de 200 trabalhos apresentados em formatos variados -- xilogravuras, pinturas, colagens, projeção de filmes, ações perfomáticas e tigelas coloridas.   Para compartilhar, selecionei imagens de obras e dicas dos textos informativos que estão escritos nas paredes. Para entender a trajetória de Lygia é importante lembrar que ela despontou nos anos 50, quando o Brasil passava por um processo de modernização vertiginoso que se refletia nas linhas da arquitetura e no urbanismo e nas inovações formais da poesia e da literatura. No campo das artes plásticas, este processo desembocou na abertura de dois Museus de Arte Moderna (Rio e São Paulo) e deu início a Bienal de São Paulo. Era uma época excepcionalmente vanguardista; foi  quando surgiram as bases da arte concreta, com os grupo Ruptura de São Paulo e o grupo Frente, do Rio de Janeiro. 

ESPAÇO IMANTADO

Os espaços imantados são os pontos de vida e movimento na trama urbana, aqueles que tem um poder de atração magnético, se formam e se desfazem incessantemente. Como a banca de um camelô, a pregação de um pastor, ou uma roda de capoeira.

" E o camelô também seria uma forma de espaço imantado,
no sentido de que ele chega assim numa esquina, abre aquela
malinha e começa a falar, criando de repente uma imantação,
com as pessoas todas se aproximando, se ligando àquele
discurso irregular, às vezes curto, às vezes longo, e de repente
ele fecha a boca, fecha a caixinha, e o espaço se desfaz."
(Lygia Pape)

DIVISOR

Esta performance se deu na época da ditadura militar – 1968, o ano do AI5, um período crítico da história nacional. Aconteceu nos jardins do MAM do Rio, depois foi repetida em Nova York, Madri e São Paulo. Lygia cobriu uma multidão com um imenso lençol, cheio de furos, por onde emergiam as cabeças das pessoas: uma imagem contundente de corpos separados da razão, de cabeças decepadas.

T-téia  (escultura de luz e movimento)

“A partir das minhas andanças de carro pela cidade - porque
eu ando muito de carro - fui percebendo um tipo novo de
relação com o espaço urbano, assim como se eu fosse uma
espécie de aranha tecendo o espaço, pois é um tal de vai daqui,
cruza ali, dobra adiante, sobe e desce em viadutos, entra e sai
de túneis, eu e todas as pessoas da cidade, que é como se
passássemos a ter uma visão aérea da cidade e ela fosse uma
imensa teia, um enorme emaranhado. E eu chamei de espaços
imantados porque aquilo tudo era uma coisa viva, como se eu
fosse caminhando ali dentro a puxar um fio que se trançasse e
se enovelasse ao infinito"
(Lygia Pape)