ontem não te vi em babilônia

Tens razão, não pude comparecer ao encontro marcado, precisava viajar para a Armênia em missão: DETRAN. Transferir um automóvel registrado na Bahia para a cidade de São Paulo. Preparei-me de antemão lendo as instruções "passo-a-passo" que encontrei na rede. Foram cinco horas de formulários, carimbos, pagamentos de taxas, vistoria e absurdos - Kafka teria ficado feliz. Uma das etapas era decalcar os números do chassis e do motor do veículo - essa tarefa é feita por dois sujeitos estacionados na calçada lateral; foram eles que preveniram:

- Cuidado com os vistoriadores novos; não estão aceitando os decalques, exigem um laudo fotográfico que custa uma nota

Dito e feito: o vistoriador do Detran quis ver as fotografias do motor. Meu marido argumentou que chegara há pouco da Bahia, não sabia andar direito em São Paulo, tudo é tão difícil por aqui...funcionou (em parte)

- Então vocês precisam ir até o cartório do Bom Retiro fazer uma declaração da proprietária dizendo que se responsabiliza pelo número do motor que consta no decalque

Igreja Armênia, na Avenida Santos Dumont (foto da internet)

Três ruas  na direção da Igreja Central Armênia, vira pra esquerda, continua até o número cinquenta e sete: chegamos no cartório. O atendente magrinho de óculos grossos é dessas pessoas que preferem dificultar a vida dos cidadãos; foi logo afirmando que a identidade estava danificada, não servia. Mostrei a carteira de habilitação. Servia.  Preenchi o cartão com as assinaturas de reconhecer firma e assinei a declaração para o Detran na frente dele.

- Não confere.

-  Comassim? moço... você mesmo me viu assinando aqui no balcão...

Foi preciso repetir tudo, cartão e declaração. Na hora de pagar o serviço, a pergunta inusitada do caixa

- Cadê a segunda via da senha?
-----------------

A história é enfadonha, malgrado o final feliz: no último instante conseguimos entregar a papelada no guichê dezessete cujo rosto atrás do vidro nos deu um protocolo para pegar a nova documentação e a placa do estado de São Paulo. Fica pronto em dois dias.

Affffffff

A burocracia é inimiga da solidariedade.

---------------------

A estação de metrô Armênia é uma homenagem da cidade de São Paulo aos imigrantes  que para cá se dirigiram no começo do século vinte fugindo do genocídio praticado pelos turcos. Na década de 1980, uma grande mobilização da comunidade armênia conseguiu convencer o então governador Franco Montoro a alterar o nome da Estação Ponte Pequena do metrô para Armênia, que a esta altura já era associada pelos paulistanos com este povo devido à concentração de moradores e estabelecimentos comerciais armênios na vizinhança.

Um grande quadro expõe os nomes daqueles que ajudaram financeiramente na construção da igreja. Os sobrenomes dos armênios terminam sempre com IAN
(revista Época)

Em 12 de novembro de 1985, a nova Estação Armênia foi inaugurada. Há referências ao povo, como a inscrição de poemas no idioma ancestral e duas khatchkarer (cruzes de pedra) do lado de fora, acompanhadas do alfabeto armênio.

O colorido dos afrescos e os lustres de cristal chamam a atenção. Ao lado do altar, estão as imagens de Judas Tadeu e Bartolomeu, os santos que levaram o cristianismo à Armênia. No centro do altar, uma Madona com o menino Jesus, comum em igrejas armênias. 
(Época)

Homem Caminhando - Alberto Giacometti

De passagem por São Paulo, fui até a Pinacoteca apreciar a visão das obras do artista suíço Alberto Giacometti. A Mostra é um fruto da paciência. Foi preciso um trabalho de  contatos internacionais -- que durou três anos -- com a “Fundação Alberto e Annette Giacometti”, de Paris. Significante, traça as etapas da trajetória deste inclassificável artista cuja produção acompanha os grandes movimentos da modernidade: cubismo, surrealismo, abstração e retorno à figuração.
Um exigente caminho independente.

Lá estava, por exemplo, uma das mais queridas estátuas de Giacometti, a monumental escultura do Homem Caminhando, concebida para o projeto do Chase Manhattan Plaza de New York (a foto é da internet, não houve permissão para fotos na mostra paulistana).  A primeira escultura desta série – um bronze de 1,83m -- tornou-se uma das obras de arte mais caras já vendida num leilão da Sotheby’s. O lance inicial era 12 milhões de libras esterlinas. Oito minutos depois  foi arrematado por 65 milhões, por um tycoon anônimo que apostava pelo telefone. Jamais saberemos o que Giacometti teria feito com esta fortuna; a ironia consiste em saber que ele passou a maior parte de sua vida num estúdio diminuto em Paris.

Giacometti em seu estúdio (fotografado por Robert Doisneau)

Antes de "L'Homme qui marche" o recorde financeiro de obra de arte pertencia a uma tela de Picasso -- Menino com cachimbo -- inspirado na figura de um adolescente da vizinhança. Retrata um jovem pálido em meio a flores que formam uma coroa sobre sua cabeça e sugerem asas de anjo às suas costas. Na mão ele segura um cachimbo – referência ao ópio consumido no enfumaçado ateliê daquela fase boêmia (e rosa) do pintor catalão,  afirma a crítica.

Voltando para o Giacometti:  Mulher Colher é uma de suas obras que mostra a influência da arte primitiva em seu trabalho. A metáfora africana servia para representar o útero feminino em colheres utilizadas nos rituais de fertilidade. A escultura de Giacometti  reverte esta equivalência. Os críticos de arte dizem que ao tomar a metáfora e invertê-la ("a colher é como uma mulher" torna-se "uma mulher é como uma colher") o artista conseguiu intensificar a idéia e torná-la universal, elevando as formas das esculturas africanas para um prisma abstrato.

Este homem alto que caminha a passos largos e decididos me fez lembrar um amigo poeta, um homem antigo que no momento é um jovem professor da UnB, Piero Eyben -- na foto com a mulher, Fabrícia Wallace. Foi ele que me deu  a dica do livro - "O Ateliê de Giacometti", de Jean Genet.            (foto de Giacometti por Cartier-Bresson)

Lembro-o sempre do livro do Genet sobre esse que é um dos mais instigantes mestres do estatismo escultural:
“Mas também despertam em mim um curioso sentimento: são-me familiares, cruzam-se comigo na rua. Ora elas vêm do fim dos tempos, do princípio de tudo, e não cessam de vir ou recuar com soberana imobilidade. Se os meus olhos tentam aprisioná-las, aproximar-se, elas - sem fúria nem cólera nem ira, apenas pela distância entre nós, que eu ainda não notara, de tal modo reduzida e escassa, a ponto de as julgar ali mesmo - afastam-se a perder de vista: desdobra-se subitamente a distância. Para onde vão? Embora a sua imagem continue visível, onde estão elas?”
---------
Na saída não consegui resistir à tentação -- transgredi o código da Pinacoteca... cliquei rapidinho o professor conversando sobre Giacometti com os alunos ...

Lygia Pape: Espaço Imantado

"O ovo"  (performance)

Sempre ouço falar que na história da arte brasileira contemporânea três nomes não podem faltar: Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape. Fui visitar o Espaço Imantado, a primeira retrospectiva de Pape no Brasil, bem contente pela oportunidade de conhecer a obra desta mulher que é considerada uma das mais importantes artistas brasileiras. Percorri as três salas da mostra na Estação Pinacoteca, observando de perto cerca de 200 trabalhos apresentados em formatos variados -- xilogravuras, pinturas, colagens, projeção de filmes, ações perfomáticas e tigelas coloridas.   Para compartilhar, selecionei imagens de obras e dicas dos textos informativos que estão escritos nas paredes. Para entender a trajetória de Lygia é importante lembrar que ela despontou nos anos 50, quando o Brasil passava por um processo de modernização vertiginoso que se refletia nas linhas da arquitetura e no urbanismo e nas inovações formais da poesia e da literatura. No campo das artes plásticas, este processo desembocou na abertura de dois Museus de Arte Moderna (Rio e São Paulo) e deu início a Bienal de São Paulo. Era uma época excepcionalmente vanguardista; foi  quando surgiram as bases da arte concreta, com os grupo Ruptura de São Paulo e o grupo Frente, do Rio de Janeiro. 

ESPAÇO IMANTADO

Os espaços imantados são os pontos de vida e movimento na trama urbana, aqueles que tem um poder de atração magnético, se formam e se desfazem incessantemente. Como a banca de um camelô, a pregação de um pastor, ou uma roda de capoeira.

" E o camelô também seria uma forma de espaço imantado,
no sentido de que ele chega assim numa esquina, abre aquela
malinha e começa a falar, criando de repente uma imantação,
com as pessoas todas se aproximando, se ligando àquele
discurso irregular, às vezes curto, às vezes longo, e de repente
ele fecha a boca, fecha a caixinha, e o espaço se desfaz."
(Lygia Pape)

DIVISOR

Esta performance se deu na época da ditadura militar – 1968, o ano do AI5, um período crítico da história nacional. Aconteceu nos jardins do MAM do Rio, depois foi repetida em Nova York, Madri e São Paulo. Lygia cobriu uma multidão com um imenso lençol, cheio de furos, por onde emergiam as cabeças das pessoas: uma imagem contundente de corpos separados da razão, de cabeças decepadas.

T-téia  (escultura de luz e movimento)

“A partir das minhas andanças de carro pela cidade - porque
eu ando muito de carro - fui percebendo um tipo novo de
relação com o espaço urbano, assim como se eu fosse uma
espécie de aranha tecendo o espaço, pois é um tal de vai daqui,
cruza ali, dobra adiante, sobe e desce em viadutos, entra e sai
de túneis, eu e todas as pessoas da cidade, que é como se
passássemos a ter uma visão aérea da cidade e ela fosse uma
imensa teia, um enorme emaranhado. E eu chamei de espaços
imantados porque aquilo tudo era uma coisa viva, como se eu
fosse caminhando ali dentro a puxar um fio que se trançasse e
se enovelasse ao infinito"
(Lygia Pape)

 

Convite à viagem

 O título pintado no letreiro da frente do prédio despertou minha atenção.  Dentro do espaço cultural fui lendo pelas paredes que doze curadores partiram de São Paulo para mapear o que está sendo produzido de novo no campo das artes plásticas e visuais por este Brasil afora. Dos 1770 artistas inscritos, apenas 45 artistas foram contemplados com a chance de expor seus trabalhos em São Paulo. São 126 obras, em suportes variados. Não sei se por pressa, desatenção ou pelo momento de vida,  nada achei tão atraente quanto o verso do poema de Álvaro de Campos pintado perto da escadaria.

prédio da fase-azul da Av. Paulista

a metamoforse da mansão matarazzo

No clima de despedida de São Paulo, coloco os últimos posts paulistanos. Precisava ser alguma coisa relacionada com a Paulista, uma avenida onde estudei, trabalhei e gastei muita sola de sapato. Por mais que eu olhe atentamente e procure reter na memória os prédios, as árvores, os pequenos parques, as ruas laterais... sempre tem novidades para o olhar... no outro dia achei um pequeno bar-restaurante espremido entre dois arranhacéus envidraçados vendendo petiscos típicos de feiras livres ou rodoviárias de cidadezinhas perdidas...

Um pouco de história: na década de 20, a Paulista era uma rua com chão de terra e árvores frondosas em toda sua extensão -- prenúncio da avenida bem ordenada que viria a ser. Foi ali no espigão da cidade que os barões do café, assim como os sírios e libaneses endinheirados, começaram a construir casarões que por muitos anos se enfileiravam imponentes na avenida-símbolo de São Paulo.

Foi na Avenida Paulista que um imigrante italiano pobre construiu sua mansão de 16 salas e 19 quartos. Era Francisco Matarazzo, um sujeito que transformou seu negócio de fundo de quintal num complexo industrial cem por cento nacional. Passou de vendedor de banha de porco à condição de um dos homens mais ricos do mundo;  ajudou a formar o capitalismo brasileiro, mas sempre mantendo laços estreitos com seu país de origem. Veio de lá o título de conde do Reino da Itália, até porque essas bobageiras de conde, barão, etc, nem combina com o Novo Mundo.  Sua mansão ficava na esquina com a Pamplona -- o material de construção veio da Itália.  Ali aconteceram festas suntuosas, como o casamento da filha, Filomena Matarazzo, com João  Lage, um  milionário carioca. A festa durou três dias e três noites e todos os convidados saíram da casa agraciados com canetas tinteiro, banhadas a ouro. 

Que tal?

Era nessa avenida que se realizava o corso do carnaval paulistano: aqueles desfiles de carros alegóricos abertos com pessoas jogando confetes, serpentinas ou borrifando lança perfume nos foliões de rua. Quando o conde morreu, em 1937, a família pediu que não houvesse corso naquele ano. O corso morreu ali também: nunca mais foi realizado.

 

Quando a prefeitura da cidade começou as tratativas de tombar a mansão para o patrimônio histórico, os membros da família, revoltados, explodiram parte da mansão, em 1996. Foi o que achei em várias páginas da internet. 

"Nas semanas seguintes o que havia ficado em pé foi demolido por uma empresa, que certamente lucrou muito com todo o mármore travertino dos pisos e fachadas, com os encanamentos e calhas de cobre, com as maçanetas, dobradiças, portas e janelas."

"Essa é a imagem mais conhecida e que resistiu até janeiro de 1996, quando “desabou” com a chuva que castigava a cidade. Esse desabamento não foi acidental, obviamente. Desde 1988 sob disputa na justiça com a Prefeitura, que ali queria criar o Museu do Trabalhador, os herdeiros já haviam dinamitado estruturas do porão. A chuva só fez por completar o trabalho: na madrugada de 11 de janeiro  a parte central do casarão ruiu."

A família transformou o terreno num estacionamento, visando obter receitas para pagar o milionário IPTU do local.

A novidade é que ao término de longa peleja judicial a família Matarazzo conseguiu vender o imenso terreno para as ávidas construtoras: imagine, uma área equivalente a dois campos de futebol....Este é o painel que estão pintando  nos tapumes que agora escondem o lote (passei lá ontem, ficou pronto).

Em seu lugar surgirá a "Torre Matarazzo" (a imagem mostra a projeção): um shopping center e um edifício de uso corporativo... 

 Não por acaso, a avenida é o palco clássico para as manifestações políticas...
------------
Em 4.6.2012 - mais notícias sobre a mansão Matarazzo, aqui

João Artacho Jurado: um criador de prédios ousados

Se há uma figura esdrúxula na arquitetura de São Paulo, o nome dele é Artacho Jurado. A começar pelo nome e pelo fato de ter construído alguns dos edifícios mais comentados, criticados, e adorados da cidade, mesmo sem  ter diploma  de curso superior -- no currículo formal, apenas o curso de desenho em perspectiva que fez na juventude. Reza a lenda que o pai dele, o velho Ramón Artacho, um anarquista, simplesmente não admitia que o filho fizesse o juramento à bandeira, cerimônia obrigatória nas formaturas da época (décadas de 40 e 50).

A marca registrada de Artaxo era a mistura de estilos tão diversos como o moderno, o déco, o clássico, o nouveau... o uso de ornamentos decorativos como pastilhas, gradis, boulevards internos, pilastras, eram excêntricos para a época...

Edifício Parque das Hortênsias, na Avenida Angélica, em Higienópolis, de curvas acintosamente decorativas.  Um perdulário da forma.

É preciso esperar para comprar um imóvel nos edifícios cênicos idealizados por Artacho; a fila de espera é um fato. Este é o famoso Bretagne, considerado seu projeto mais charmoso. Na época de sua inauguração, em 1958, era o prédio mais alto da região. Sua estrutura assimétrica, em forma de "L", faz com que os apartamentos recebam a iluminação natural, além de permitir a existência de um grande jardim na entrada. 

O Bretagne foi o primeiro condomínio da cidade a ter piscina, playground, salão de chá e música. No espírito de glamour da década de 1950, o Bretagne tem uma série de pinturas, desenhos e texturas em seu interior que o torna único.

É um dos cartões-postais do bairro de Higienópolis -- e da cidade. A revista de arquitetura britânica Wallpaper o apontou como um dos melhores edifícios do mundo para se viver.

Outra obra de Artacho: o edifício Viadutos, bem no centro de São Paulo (Viaduto Maria Paula). Duramente criticado à época de sua construção, pela salada de estilos, hoje o prédio recebe elogios justamente por relembrar os sonhos hollywoodianos do cidadão comum daquela época. São 368 unidades, distribuídas em 27 andares onde moram mais de mil pessoas.  Artacho -- arrisco uma impressão -- era um pós-moderno avant-la-lètre ou uma espécie de Gaudi brasileiro. A mulher na imagem é a cantora Marina Lima gravando um clipe na cobertura do prédio.

Um prédio à beira-mar:  a cobertura do Edifício Verde-Mar, no litoral de Santos.

Queremos Miles!

Semana passada fui ver esta exposição-musical no Sesc Pinheiros. Uma exposição concebida pela Cité de La Musique de Paris e dedicada a um dos maiores criadores de jazz do século XX. Traça o percurso de Miles Davis desde a sua infância em East St. Louis (Illinois, EUA), até seus últimos anos de vida, quando sua fama havia se propagado por todo o mundo.

Peguei o trem mais novo de São Paulo, a linha amarela do metrô, e desembarquei na estação Faria Lima, cujo entorno é de estética tumultuada como dá para notar na foto abaixo...

 Adorei o nome da rua... Chopin Tavares de Lira...

 ... e esta sapataria?

Dividida em oito sequências temáticas, a exposição nos convida a mergulhar na obra de Miles, com a ajuda de documentos, fotos, partituras, gravações e recursos de multimídia, além de instrumentos musicais que lhe pertenceram. Fiquei comovida na sala dedicada ao disco que é considerado sua obra-prima (Kind of Blue). Sua jornada confunde-se com grande parte da história do jazz: no bebop, no cool jazz e em diversas interlocuções com outros gêneros musicais, inclusive com a bossanova, no disco dedicado ao Brasil (Quiet Nights) que fez em parceria com Gil Evans.

de seus discos, esta é minha capa predileta... foi após o período da Europa onde o músico compartilhava de amizades como a atriz Juliette Greco e frequentava os lugares onde se reunia a inteligência da época, Jean Paul Sartre, inclusive... enquanto nos EUA o preconceito racial impregnava a sociedade... os óculos escuros são sinal de revolta, penso...

"A arte é inquieta, provocativa, transformadora. Por sua natureza, tende a ultrapassar limites, criar novas soluções e se reinventar, agregando influências e símbolos que a mantem em processo de contínua mutação." (Danilo de Miranda, curador do SESC)